Кубізм - Найкращі картини і скульптури

Ма Джолі (1911—12)

Виконавець: Пабло Пікассо

Опис і аналіз роботи: Пікассо піднімає ставку в цій роботі, просуваючи свої експерименти в нових напрямках. Рунтуючись на перекриваються геометричних фігурах, Пікассо рухається далі від ренесансної ілюзії тривимірності і до абстракції, зменшуючи колір і збільшуючи ілюзію низькорельєфної скульптури навіть далі, ніж Брак у скрипці і палітрі . Найбільш істотно, однак, Пікассо включав пофарбовані слова на полотно.
Слова "ma jolie" не тільки згладжують простір, але й порівнюють картину з плакатом, оскільки вони намальовані шрифтом, що нагадує те, що використовується в рекламі. Вперше художник настільки грубо використовував елементи популярної культури у творі високого мистецтва. Це поєднання високої і низької культури, можливо, було під впливом плакатів Анрі де Тулуз-Лотрека кінця 19 століття. Незважаючи на те, що вони були зроблені в якості реклами для різних місць розваг, плакати Тулуза-Лотрека були оцінені як високе мистецтво, можливо, тому, що він сам був також художником. Далі зв'язок роботи Пікассо з поп-культурою і з повсякденним, "Ма Джолі" була також назва популярної мелодії в той час, а також прізвисько Пікассо для своєї подруги.

Олія на полотні - Музей сучасного мистецтва, Нью-Йорк

Натюрморт із кріслом для стільців (1912)

Виконавець: Пабло Пікассо

Опис і аналіз роботи: До 1912 року Пікассо і Брак вичерпали свої експерименти з монохроматичним кольором і з ілюзією низькорельєфної скульптури на поверхні полотна. У « Натюрморті» зі стільцем Caning , Пікассо знову вводить колір і йде далі в експерименти з кількома перспективами. На зображенні зображено стільницю в кафе; Пікассо показує різні предмети на столі з різних точок зору, включаючи ніж, шматочки фруктів і бокал для вина, які знаходяться у правому верхньому кутку зображення. Об'єднуючи як фарбу, так і колаж, Пікассо також включає шматок клейонки (дешева скатертина), що нагадує крісло для крісел, що посилається на тип загального розташування в традиційному кафе. Робота грає в тому, що Пікассо передає прозору якість стільниці, роблячи її такою, як якщо б крісло стільця можна було бачити крізь скло. Проміжок на зображенні, однак, навіть більш рівний, ніж у попередніх роботах без затінення об'єктів, тому таблиця кафе не зображена ілюзіонічно як у трьох вимірах, а концептуально.
Нарешті, Пікассо малює слова "JOU", які є першими трьома літерами французького слова для газети (Journal), посилаючись, таким чином, на акт читання газети в кафе (сама складена газета видно зліва) ), а також написання перших букв французького слова для "play", що означає грайливість і експериментальну якість зображення. Це не тільки перший випадок, коли коллагеновані елементи були включені до твору високого мистецтва, але й доводилося стверджувати, що шматки колажної газети посилаються на нестабільну політичну ситуацію в Європі і, можливо, на власні анархічні тенденції Пікассо. Незважаючи на те, що ця робота тепер є синонімом експериментів кубізму, в той час її бачили лише деякі люди, оскільки Пікассо не демонстрував своїх робіт на публічних виставках, а радше демонстрував свої ідеї однодумцям (авангардистам).

Полотно, олія - ​​Національна галерея, Лондон

Макет для гітари (1912)

Виконавець: Пабло Пікассо

Опис і аналіз роботи: експерименти Пікассо з елементами з коллагом заохочували його переглянути також скульптуру. Проте, замість колажу, Maquette for Guitar - це збірка (або тривимірний колаж). У той час як традиційна скульптура складалася з маси (або твердої), оточеної порожнечею, з використанням матеріалу, такого як дерево або мармур, який потім був сформований рукою художника, Пікассо тут приймає шматки картону, паперу, струни і дроту. що він потім склав, нарізав і склеїв. Вперше скульптура була зібрана з різних частин. Замість того, щоб бути твердим матеріалом, вона плавно об'єднує масу та її навколишню порожнечу. Пікассо переклав кубістський інтерес в декількох перспективах і геометричну форму в тривимірне середовище.
Робота також новаторська в історії скульптури 20-го століття, частково через використання Пікассо не-художніх матеріалів, які, подібно до Ма Джолі , кидають виклик відмінності між високим мистецтвом і популярною культурою.

Картон, папір, нитка, шнур, шпагат, дріт з покриттям - Музей сучасного мистецтва, Нью-Йорк

Завоювання повітря (1913)

Виконавець: Роберт де ла Фресне

Опис і аналіз творів: Барвиста і оптимістична картина Ла Фреснеї зробила багато для популяризації кубізму до Першої світової війни. У своїй найвідомішій роботі «Завоювання повітря» він зображує себе зі своїм братом Анрі, сидячи за столом на відкритому повітрі. Жовта повітряна куля в далекому тлі, ймовірно, відноситься до найдавнішої гонки на повітряній кулі у світі - чашки Гордона Беннета, що проходила щорічно з 1906 по 1938 рік, з перервами в роки війни. Гонка чергувалася між європейськими містами, але була проведена спочатку в Парижі в 1906 році і знову в 1913 році. Французький екіпаж виграв гонку в 1912 році, додавши до своєї національної честі на цій арені, коли французи винайшли повітряну кулю в 1783 році. без сумніву пояснюючи святковий французький прапор на картині.
Робота Ла Фреснеє показує вплив як на традиційний кубізм у використанні геометричних форм, так і на орфізм Делоне в його яскравому кольорі і використанні кола. З 1912-1914 років він був членом La Section d'Or Cubists, але після війни став відомим прихильником більш традиційного реалізму.

Олія на полотні - Музей сучасного мистецтва, Нью-Йорк (не на дисплеї)

Електричні призми (1914)

Виконавець: Соня Делоне

Опис і аналіз творів: Роберт і Соня Делоне виставлялися з салонними кубістами, а пізніше заснували рух орфізму, на який сильно вплинув кубізм. Як і всі кубісти, вони використовували геометричні форми і сплющену перспективу, щоб показати візуальну маніпуляцію своїм предметом, але Делоне, зокрема, мали метафізичні інтереси в кольорі і концепції, часто перекриваючи кілька сцен і поглядів, щоб запропонувати четвертий вимір. Ця множинність сцен (або так звана теорія одночасності) передбачала, що події та об'єкти "нерозривно пов'язані у часі та просторі". Електричні призми використовують сферу для представлення цієї ідеї перекриття. У роботі різні сфери скупчуються у великі концентричні кола, які сформовані так, щоб відображати динамічний рух електроенергії. Орфізм був короткочасним рухом, але був ключовим етапом у переході від кубізму до нерепрезентативного мистецтва.

Полотно, олія - ​​Центр Жорж Помпіду, Париж

Натюрморт з відкритим вікном, Rue Ravignan (1915)

Виконавець: Хуан Гріс

Опис і аналіз твору: Роботи Хуана Гріса часто вважаються найбільш близькими до роботи Пікассо і Брака, з якими Гріс був у тісному контакті, починаючи з 1911 року. До 1914 року Гріс розробив методики колажу, в яких він вставив елементи з газет і журнали на деконструйовані, абстрактні сцени. Його роботи часом були справжніми колажами, але також могли бути картинами, які нагадували колажі, як у натюрморті з відкритим вікном . У цій роботі Гріс поєднував інтер'єрні та зовнішні види через взаємопов'язані елементи і тонкі зміни кольору, включаючи інтенсивну синю, яка витісняє роботу і, як і синтетичний кубізм, знову вводить колір у стиль кубізму. Натюрморт на передньому плані містить традиційні елементи, такі як книга, графин і пляшка вина на перевернутій стільниці. Ці об'єкти заломлюються через вали кольорового світла з відкритого вікна, які приносять до складу сусідні будинки і дерева; внутрішнє електричне світло контрастує з місячною сценою поза вікном. Композиції Гріса були більш обчислювальними, ніж композиції інших кубістів. Кожен елемент сітчастої композиції був очищений, щоб створити замикання без зайвих деталей. У межах сітки, Gris балансує різні області роботи: світло до темно, монохромний до кольору, і лампи в приміщенні до місячного світла зовні. У глядача є відчуття натюрморту, який існує в його оточенні.

Олія на полотні - Національна галерея, Вашингтон, округ Колумбія

Три жінки (1921)

Виконавець: Фернан Леже

Опис і аналіз творів: У « Трьох жінок» Легер оновлює традиційну тему лежачого гола в сучасному словнику, який поєднує в собі різні впливи від кубізму і футуризму. Геометричні форми цифр вказують на його кубістські джерела, тоді як його залежність від машиноподібних зображень запозичена з футуризму. Його первозданні і барвисті геометричні форми, однак, сильно відрізняються від штучних скульптурних ефектів низької рельєфу, що використовуються в аналітичному кубізмі. Форми, які складають фігури і об'єкти, наприклад, не перекриваються на передньому плані, але використовуються для створення ілюзії тривимірності. Таким чином, легко розпізнаються меблі, тіла жінок і проміжки між ними.
Поліровані форми Легера можуть бути пов'язані з інтересом до класицизму або "поверненням до порядку", який був поширений у французькому мистецтві після хаосу Першої світової війни. і сподівання, що технологічний прогрес і машинний вік разом перероблятимуть світ. Легер був тяжко поранений у Першій світовій війні, але, тим не менш, він представляє веселу сцену, яка спирається на первинні кольори, щоб передати своє позитивне мислення про переваги сучасності та технології, в кінцевому рахунку, висловлюючи свою віру в майбутнє.

Олія на полотні - Музей сучасного мистецтва, Нью-Йорк

Підписатися на The Art Story